Olvidado durante décadas, Paul Poiret (París, 1879-1944) fue el diseñador de alta costura más importante de principios del siglo XX, el primero en cambiar realmente la silueta femenina.
Retrato de Paul Poiret en 1913 División de Impresiones y Fotografías de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos
Con su irresistible personalidad, creó un proyecto creativo integral, una próspera empresa que abarcaba todas las artes decorativas y fue pionero en un estilo empresarial que inspiró a muchos diseñadores posteriores.
Además de ropa, hizo perfumes, publicó libros, decoró barcos, viajó por el mundo, creó una escuela de arte para niñas, profundizó en las vanguardias y siempre estuvo pendiente de crear un nuevo universo. Su desbordante creatividad le llevó finalmente a la ruina y el olvido, pero siempre estuvo orgulloso de su aportación.
Afortunadamente, el Museo de Artes Decorativas de París le dedica este mes una exposición, cuyo nombre lo define: La moda es divertida.
Nueva silueta femenina
Liberar el cuerpo femenino fue su primer objetivo. Paul Poiret observó y respetó la anatomía femenina natural, y se aseguró de que la ropa siguiera el movimiento del cuerpo con soltura. Creó en sus diseños líneas rectas o curvas y drapeados estratégicos que preservaban la elegancia y el estilo único de su firma.
En 1906 rechazó definitivamente el corsé y diseñó sus creaciones basándose en el sujetador, acto pionero de la modernidad que aún hoy sigue vigente. Diseñó pantalones cortos, caftanes, kimonos y turbantes, e innovó al ser el primero en presentar a sus modelos con el pelo corto.
Este nuevo y avanzado estilo, por su comodidad, se puso de moda y causó sensación entre mujeres de la alta sociedad, coquetas y los artistas más relevantes.
Diseños de Paul Poiret expuestos en el Museo de Artes Decorativas de París. Museo de Artes Decorativas Investigación y desarrollo
Su intención era crear una nueva estética, un lenguaje visual inusual. Entonces contrató a un químico para que produjera nuevos colores en su propio laboratorio, explorando combinaciones armoniosas e innovadoras.
Para diseñar grabados, fundó en 1911 el Atelier Martine, un lugar de formación gratuita para jóvenes con talento artístico y pocos medios. Allí, las niñas dibujaron libremente, inspiradas por la naturaleza, sin intervención externa ni regulaciones académicas.
Estos dibujos de flores, alcachofas y margaritas fueron transformados por Poiret en elementos decorativos que aplicó a telas de ropa, cortinas, cojines, alfombras y otros artículos del hogar.
El primer modisto con perfume.
Para él la moda no se limitaba a la ropa, sino un estilo de vida basado en el arte que debía romper con los gustos de la Belle Époque e impregnarlo todo. Por ello, fue el primer diseñador en crear una línea de perfumes, ya que consideraba el aroma como un ejemplo de estilo personal.
Diez años antes de que Chanel lanzara su legendario “No. 5” (1921), Paul Poiret ya había fundado la empresa comercial Les Parfums de Rosine (que lleva el nombre de su hija mayor). Fue el único perfumista de moda en París durante una década, hasta que, además de Chanel, siguieron sus pasos la Casa Worth (1924) y el diseñador Jean Patou (1925).
Sus hijas lo inspiraron para crear dos de sus aromas. Otros evocaban la imaginación francesa, como “Arlequinada”, el exotismo, como “Aladdin” o “Nuit de Chine” (Noche china), o la sensualidad, como “Fruit defendu”. Eran perfumes intensos, con ingredientes florales y exóticos.
Una vez más recurrió a artistas para su producción. Todas las botellas eran sorprendentes, nuevas y elegantes, con formas geométricas o florales y tapones decorativos. Son artículos de lujo por derecho propio y obras maestras pioneras del arte decorativo. Para el perfume “Arlequinade (1923)”, por ejemplo, cuya fragancia fue creada por el perfumista Henri Almeras, se encargó del diseño del frasco de la artista cubista Marie Vasilieff y del escultor de vidrio Julien Viard.
Hoy en día, los perfumes de Poiret se conservan en la Osmotheque de París.
La moda es entretenimiento.
En su autobiografía, Dressing the Time, dice que disfrutó de la vida en cada momento. Por eso compartió su creatividad organizando fiestas temáticas que se volvieron legendarias.
La primera, celebrada el 24 de junio de 1911, se llamó “La Mille et deukieme Nuit” (“Las mil dos noches”), y se inspiró en el clásico libro de cuentos Las mil y una noches. La invitación decía claramente que “los disfraces inspirados en historias orientales (eran) absolutamente obligatorios”.
El material de Paul Poiret fue visto por Georges Lepape, París, Paul Poiret, colotipo pintado con plantilla. Las artes decorativas
Poiret se vistió de sultán y su esposa Denise de princesa enjaulada, con pantalones de estilo oriental y una túnica con faldas de ganchos que será recordada por todos. La decoración, la comida, la música y las actuaciones giraron en torno a un tema central y más de 300 invitados (artistas, escritores, aristócratas) asistieron vistiendo los diseños del anfitrión.
Fue una puesta en escena fastuosa de sus creaciones: exóticas, innovadoras, sorprendentes, teatrales y delirantes, como las que hoy son habituales en las presentaciones de las grandes casas de moda.
¿Catálogos de moda u obras de arte?
Quería que sus diseños llegaran a todos los rincones de Europa. Creó catálogos promocionales con ilustraciones de artistas de la época que eligió y ayudó a santificar.
En 1908, encargó uno a Paul Irib: Vestidos de Paul Poiret. En 1911 hizo lo propio con Georges Lepape en Las cosas de Paul Poiret. En ellos, las mujeres lucen sus diseños y aparecen fumando, en fiestas, charlando, rodeadas de ambientes que evocan lujo y sofisticación.
Estas colecciones son consideradas obras de arte de gran valor y hoy se conservan en la Biblioteca Nacional de Francia, el Museo Metropolitano de Nueva York y el Victoria and Albert Museum de Londres.
Una fuente inagotable de inspiración
Un traje a cuadros diseñado por Paul Poiret en 1914. División de Fotografías y Fotografías de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos
Su estilo influyó en los gigantes de la moda que lo siguieron: Christian Dior, Jean Paul Gaultier y John Galliano, entre otros, así como Gabrielle Chanel. La diseñadora Elsa Schiaparelli, gran amiga y admiradora, lo consideraba el Leonardo da Vinci del sector.
Fue el precursor del vestido de los años 20 que Chanel tomó y evolucionó creando una elegancia funcional. Si Poiret renovó y liberó la silueta, Chanel la hizo cómoda, acortando las faldas, dejando la cintura libre, materiales ligeros adaptados al movimiento natural del cuerpo. Paul Poiret condenó el estilo básico y absolutamente simple de Chanel, que sorprendentemente ayudó a crear, llamado miserabilisme de luke.
El camino a la destrucción y al olvido
Durante la Primera Guerra Mundial, Poiret no abandonó su estilo artístico y lujoso, sin tener en cuenta la realidad social: dada la escasez de la guerra, ignoró, por ejemplo, tejidos estrictos como la lana.
Tampoco se correspondía con los nuevos gustos de la alta sociedad de la posguerra: bailar tango, nadar en el mar, conducir un coche, hacer deporte… Una vida más rápida y dinámica requería vestidos cómodos y adecuados para cada ocasión. Otros diseñadores más conscientes de los cambios, como Chanel, supieron aprovechar los acontecimientos y triunfar.
Su gasto excesivo, su resistencia al cambio y sus malas decisiones comerciales lo llevaron a la quiebra. En 1929 tuvo que cerrar su casa de moda, todas sus posesiones fueron subastadas y su contribución fue ignorada.
Así, en 1944, murió: enfermo, fracasado y olvidado, el diseñador que presagió la moda moderna y cuya influencia continúa hasta el día de hoy.
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